Thursday, April 26, 2018

Kostov/Pańta/Konrad Trio - Konwersacje (2017)

Kostov/Pańta/Konrad Trio

Konstantin Kostov - piano
Paweł Pańta - double bass
Cezary Konrad - drums

Konwersacje

SRMT 2017




By Krzysztof Komorek

"Konwersacje" to pierwsza wydana w Polsce płyta, dzięki której słuchacze mają możność poznania Konstantina Kostova. Bułgarski pianista, wykładowca monachijskiej Hochschule für Musik und Theater, nagrywał już w Niemczech ze swoimi rodakami. Miał też możliwość współpracy z polskimi muzykami, a na "Konwersacjach" skład klasycznego tria uzupełnia doświadczona, zgrana sekcja rytmiczna Paweł Pańta – Cezary Konrad. Album firmuje swoimi nazwiskami cała trójka i rzeczywiście łatwo stwierdzić można, że choć oryginalne kompozycje niemal bez wyjątku są autorstwa pianisty (poza perkusyjnym monologiem), to płyta jest rozmową trzech równoprawnych muzyków, a nie dyskusją zdominowaną głosem fortepianu.

Przyznam, że na samym początku, jeszcze przed rozpoczęciem odsłuchu, koncepcja wydawnictwa trochę drażniła. Lista utworów sugerowała nieco bezładny miszmasz: Chopin, Gershwin, Albinioni, Monk, solowe interludia i zespołowe improwizacje. Tylko godzina grania i aż piętnaście utworów, z czego jedna trzecia, sądząc z czasów trwania, ma charakter muzycznych przerywników. Jednak z tego niezbyt zachęcającego początku objawił się nadspodziewanie ciekawy i dobry album.

Najmocniejszymi punktami płyty są cztery tytułowe "Conversations" charakterem odchodzące nieco od pozostałych, bardziej melodyjnych nagrań. Najbliższa ich klimatom jest interpretacja monkowskiego "Evidence". Dwa wykonane solo przez Kostova "Piano Monologs", choć są tutaj wyraźnie wyodrębnione – nie tylko tytułem – potraktować można jako wstępy do pojawiających się po nich "Consolation" i wspomnianego już utworu Monka. Jako miłośnik rozbudowanych form nieco żałuję, że nie są po prostu długimi, solowymi intrami do tych nagrań, płynnie przechodzącymi w zespołowe interpretacje właściwych tematów. 

Nieco kontrowersyjnie, acz bardzo oryginalnie, wypada "I Got Rhythm" Gerswina. Za to znakomitym zakończeniem jest "Recado Bossa Nova" brazylijskiego klasyka, pianisty i kompozytora Djalmy Ferreiry. Dobre wykonania bronią koncepcji płyty, choć według mnie mogłaby być ona jeszcze lepsza, gdyby chociażby zrezygnować z interpretacji klasycznych i aż za dobrze znanych kompozycji Albinioniego i Chopina, a w zamian za to rozbudować "konwersacyjną" zawartość płyty.

Wednesday, April 25, 2018

Sophia Grand Club – 4 a.m. (2018)

Sophia Grand Club

Eskaubei - rap, spoken word
Kuba Płużek - piano, wurlitzer, flute
Bartłomiej Prucnal - alto & soprano saxophones
Vitold Rek - double bass
Maksymilian Olszewski - drums

4 a.m.


AFRO VIBE 001

By Adam Baruch

This is the debut album by the Polish ensemble Sophia Grand Club, comprising of rapper Eskaubei (a.k.a. Bartłomiej Skubisz), saxophonist Bartłomiej Prucnal, keyboardist Kuba Płużek, veteran bassist Vitold Rek and drummer Maksymilian Olszewski. The album presents eight original compositions, four by Płużek, three by Rek, one co-composed by Płużek and Rek and one improvised piece credited to all members of the ensemble. Seven of the numbers feature lyrics by Eskaubei and one is an instrumental.

Musically the album continues the formula set up by Eskaubei with his two albums recorded with Tomek Nowak Quartet for the For Tune Label, i.e. Jazz tunes featuring Rap and spoken word amalgamating the genres into a new musical entity. Płużek, who proves to be one of the most versatile players / composers on the young Polish Jazz scene, delivers again some fiery Jazz / Funk tunes and Rek adds his more melancholic contributions, together creating a wonderful collection of highly effective musical vistas.

Eskaubei yet again delivers a set of meaningful texts, touching upon deeply troublesome problems of contemporary life, social relationships, loneliness, injustice and many others. It is a pity the lyrics were not included in the album's artwork, as they are definitely worth reading on their own. These lyrics could be seen as contemporary revelation of what we once called "protest songs" fifty of so years ago, just to show that the world is nothing like a TV commercial, then or today.

The instrumental work is also first rate, with Prucnal delivering some soulful solos and elegant accompaniment, Pluzek is master of the ceremony with his keyboards providing most of the melodic and harmonic framework, Rek plays wonderful bass parts, which are both very Jazzy and superbly Funky at the same time, and finally Olszewski adds his polyrhythmic Groove to keep things moving ahead.

Overall this is another superb album by Eskaubei and his instrumental cohorts, which proves that Rap can be a meaningful idiom, both musically and textually. Highly recommended to open-minded listeners, who like to be told the truth straight in their faces, which even the Funk doesn't make much easier to digest. Well done again!

Tuesday, April 24, 2018

Phillips/Pabian/Mulvenna – Fading Light (2017)

Phillips/Pabian/Mulvenna

Dan Phillips - guitar
Krzysztof Pabian - double bass
Tim Mulvenna - drums

Fading Light

LIZARD BREATH 2017




By Adam Baruch

This is the fourth album by American guitarist/composer Dan Phillips and his trio with Polish (resident in US) bassist Krzysztof Pabian and American drummer Tim Mulvenna. The album presents eight original compositions, all by the leader.

The music is a highly sophisticated Jazz-Rock Fusion, with a lot of space for improvisation and excellent guitar riffs, which make it highly accessible in spite of its complex contents. The basic melodic themes stated at the beginning of each track are than expanded by the trio into lengthy improvisations, which remain coherent and highly organized for the entire duration.

The individual performances are brilliant all the way through. Phillips manages to create a unique guitar sound, which includes a lot of reverb and echo, quite different from most straightforward Jazz / Fusion guitar sounds used by other players. Although he plays quite densely there is enough space left to be able to hear the brilliant bass and drums parts, which are nothing short of virtuosity. Pabian builds a solid ground upon which the entire sound of the trio is based, playing often shoulder to shoulder with the guitar at the same level of complexity. His plucking sound is round and beautifully melodic and his arco work (which he sadly uses way too seldom) is superb. Mulvenna is a very busy drummer and yet he manages to stay at the same level of intensity with the trio members, ornamenting the tunes with his polyrhythmic, but perfectly timed drum parts.

Overall this is a brilliant Fusion album, which offers a unique musical concept and sound, something very rarely found these days. Guitar freaks, Fusion lovers and music connoisseurs in general should really enjoy this album in full, especially in view of the fact that it reaches a limited audience in today's highly competitive and narrow minded music market and deserves to do much better. Highly recommended!


Monday, April 23, 2018

Czwartek Jazzowy z Gwiazdą - Piotr Wyleżoł Human Things feat. Andy Middleton - Gliwice, 26.04.2018


Piotr Wyleżoł - rhodes piano
Andy Middleton (USA) - saksofon

Max Mucha - kontrabas
Łukasz Żyta - perkusja
26 kwietnia, godz. 20:00, Klub Muzyczny 4Art Gliwice
Bilety: 20 zł przedsprzedaż / 25 zł w dniu koncertu

Najnowszy projekt Piotra Wyleżoła, czyli Human Things w Śląskim Jazz Clubie w ramach cyklu Czwartek Jazzowy z Gwiazdą. Na otwarcie sezonu. Jak nowy to projekt? Dość powiedzieć, że album ukazał się 9 marca 2018 w najbardziej prestiżowej i legendarnej serii w historii polskiego jazzu "Polish Jazz". Oficjalna, koncertowa premiera miała miejsce dzień później, 10 marca 2018 w Teatrze Muzycznym ROMA w Warszawie, z udziałem całej plejady gwiazd. Koncert poprowadził red. Mariusz Owczarek z Radiowej Trójki. Na Śląsku projekt pojawi się w maju w sali NOSPR w Katowicach oraz w Teatrze Ziemi Rybnickiej, ale zanim do tego dojdzie, 26 kwietnia Śląska premiera w Śląskim Jazz Clubie w ramach cyklu Czwartek Jazzowy z Gwiazdą.


Piotr Wyleżoł karierę na scenie jazzowej rozpoczął jeszcze w okresie studiów, w zespołach m.in. Janusza Muniaka, Jarka Śmietany i Marka Bałaty. Jako student był laureatem licznych konkursów i festiwali jazzowych: Jazz Juniors w Krakowie (I nagroda), Festiwal Standardów Jazzowych w Siedlcach (I nagroda), „Klucz do Kariery” – Pomorska Jesień Jazzowa, Jazz nad Odrą we Wrocławiu (nagroda indywidualna dla najlepszego instrumentalisty), Międzynarodowy Konkurs Improwizacji Jazzowej (Katowice). Od początku swojej działalności artystycznej lider własnego trio. W 2001 roku ukazała się pierwsza autorska płyta pianisty „Yearning“ nagrana wspólnie z Adamem Kowalewskim na kontrabasie i Łukaszem Żytą na perkusji. Już wtedy prasa nie szczędziła ciepłych słów: „To jeden z najciekawszych debiutanckich albumów. Trio złożone z młodych polskich muzyków zbudowało nastrój godny największych osiągnięć w swym gatunku.” (Jazz Forum 11.2001).

W październiku 2009 roku nakładem renomowanej wytwórni Fresh Sound Records ukazała się trzecia płyta tria pianisty, zatytułowana „Children’s Episodes”. Płyta wydana została w serii New Talent, w której można znaleźć takie nazwiska, jak Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel czy Chris Cheek. Warto nadmienić, że Piotr Wyleżoł jest pierwszym Polakiem, który dostał się do tego zaszczytnego grona. Płyta ta została również nominowana do nagrody Fryderyk 2010 w kategorii Jazzowy Album Roku. W dyskografii Piotra Wyleżoła jako lidera, poza studyjnymi płytami tria, znajdują się również dwa albumy koncertowe. Pierwszy to „Quintet Live“, która ukazał się w 2010 roku z gościnnym udziałem Adama Pierończyka (sax) oraz Davida Doruzki (git.), oraz zarejestrowany podczas festiwalu „Jazz w Gdyni“ recital na dwa fortepiany ze Sławkiem Jaskułke i wydany pod nazwą DuoDram.

Podczas dotychczasowej obecności na profesjonalnej scenie jazzowej miał okazję współpracować z wieloma jej osobistościami, takimi jak: Billy Hart, Edd Schuller, Janusz Muniak, Tomasz Szukalski, Jarosław Śmietana, Tomasz Stańko, Jan Ptaszyn Wróblewski, Grzegorz Nagórski, Kazimierz Jonkisz, Andrzej Cudzich, Adam Pierończyk, Gary Bartz, John Purcell, Urszula Dudziak, Mika Urbaniak, Marek Bałata, Ewa Bem, Piotr Baron, Antymos Apostolis, Nigel Kennedy, Steve Logan, Monty Watters, Bennie Maupin, Janis Siegel i inni. W latach 2005 - 2012 regularnie współpracował z Nigelem Kennedy’m, biorąc udział w jego autorskich projektach, a także koncertach muzyki klasycznej, m.in. jako klawesynista w repertuarze J.S.Bacha czy A.Vivaldiego. Od 2007 prowadzi klasę fortepianu w Katedrze Jazzu i Muzyki Współczesnej Akademii Muzycznej w Krakowie.

Saturday, April 21, 2018

Mateusz Puławski Lunar Quartet - (Extra) Ordinary Songs (2018)

Mateusz Puławski Lunar Quartet

Mateusz Puławski - guitar
Nicolo Ricci - tenor saxophone
Wojciech Lichtański - alto saxophone
Thomas Winther Andersen - double bass
Henning Luther - drums



(Extra) Ordinary Songs

PRIVATE EDITION 2018

By Alek Jastrzębski

Czy piosenki mogą przeżyć rozłąkę ze słowami? Z pewnością nie wszystkie i nie zawsze. Na szczęście tym, które usłyszymy na trzeciej płycie formacji Mateusz Puławski Lunar Quartet, słowa, zdawałoby się, nigdy nie były potrzebne. Może dlatego, że, jak zdradza tytuł, to po prostu (Extra) Ordinary Songs?

Mateusz Puławski po raz kolejny zabiera nas w niesamowitą podróż, i tym razem niemal dosłownie, bo oprowadza po... swoich podróżach. A w zasadzie częstuje nas muzycznymi owocami, zrodzonymi z nasion, zasianych w wyobraźni gitarzysty przez te wyprawy. Wykiełkowało z nich osiem całkowicie instrumentalnych utworów. Całkowicie, gdyż w odróżnieniu od dwóch poprzednich płyt, tym razem próżno szukać między dźwiękami głosu belgijskiej wokalistki Esther Van Hees. Co ciekawe, nie ujmuje to płycie liryzmu. Niewątpliwa w tym zasługa muzyków i zmysłu kompozycyjnego Puławskiego, który już poprzednimi albumami udowodnił, że nie brakuje mu pomysłów i dodatkowo wie, jak uchronić słuchacza przed monotonią.

Gitarzysta ponownie serwuje nam kalejdoskop uczuć, emocji i wrażeń, opakowanych w piękne melodie, zabawy rytmem i nieprzewidywalne zwroty formy. Czuć w tej muzyce dużo wolności, ale przemyślanej, niepozbawionej refleksji i sensu. Można w niej dostrzec ciekawe efekty stylistyczne, jak np. w "Tomatoes Growing Red Lips Growing Green", w którym dzieje się dużo, a jednocześnie da się w nim wyczuć powiew słodkiego lenistwa. Nie zabrakło też miejsca na eksperymenty brzmieniowe w postaci różnych efektów nakładanych kolejno na gitarę, jak podczas solówki w "Filettino To Charles Bridge". Choć moim faworytem jest pełne uroku i przewrotności "O Kotku", którego początek jest pomysłowo oparty na pewnej znanej melodii o pewnym nie mniej znanym kotku. Mam też wrażenie, że utwór trafnie oddaje to, co może dziać się w kociej świadomości. 

Tradycyjnie najwięcej smaczków i frajdy znajdą na krążku miłośnicy jazzowej gitary, co nie umniejsza oczywiście biegłości pozostałych muzyków. Miło przysłuchiwać się rozwojowi młodego artysty, który wyraźnie kontynuuje muzyczne eksploracje gryfu, co słychać zarówno w umiejętnym i pomysłowym łączeniu gry akordowej z solówkami, jak i w świetnych improwizacjach. I zdaję sobie sprawę, że podobne rzeczy pisałem w przypadku poprzednich płyt Puławskiego, ale jestem przekonany, że właśnie te elementy, świadczące o nieprzeciętnym zrozumieniu i opanowaniu instrumentu, są szczególnie godne uwypuklenia. 

"(Extra) Ordinary Songs" stanowi dobry przykład bogactwa drzemiącego w muzyce instrumentalnej. Jej nieoczywistość od zawsze sprawia mi ogromną przyjemność. Bo choć tytuły utworów mogą nieco nakierowywać myśli słuchaczy w stronę konkretnej interpretacji dźwięków, to jednak niemal zawsze wyłapiemy wśród nich także echa naszych własnych historii. Dzięki temu, słuchając tej samej płyty, każdy z nas może słuchać tak naprawdę innej opowieści. Ja z pewnością słyszę tu kolejną pozycję obowiązkową dla entuzjastów jazzowego szarpania strun.

Friday, April 20, 2018

Zimpel/Ziołek – Zimpel/Ziołek (2017)

Zimpel/Ziołek

Wacław Zimpel - clarinets, hammond organs, piano, synthesizer, bass drum, buddha machine
Jakub Ziołek - guitars, vocals, bouzouki, synthesizer, drum programming, buddha machine

Zimpel/Ziołek


INSTANT CLASSIC 063

By Adam Baruch

This is the debut album by the Polish duo comprising of Wacław Zimpel and Jakub Ziołek, two prominent names on the Polish/European Avant-garde scene since years. Zimpel produced a plethora of recordings in various musical environments like Jazz and World Music and Ziołek is predominantly known as a member of the Innercity Ensemble and other Rock oriented projects. On this album both musicians play a multitude of instruments each: Zimpel various clarinets and keyboards and Ziołek guitars, synthesizers as well as performs the vocals. The album presents just four compositions, three of which feature English lyrics (i.e. are songs of sort), one composed by Ziołek and three co-composed by Zimpel and Ziołek.

The music is much more tamed, melodic and "conventional" than one might expect from these two musicians. Heavily soaked in World Music, with Far East and Mediterranean sonic vistas dominating the proceedings, the complex multilayered musical fabric is gentle and as usual with Zimpel based on cyclic repetitions a la serial music and minimalism. The resulting kaleidoscope of sounds is breathtakingly beautiful and absorbing, meditative and enthralling.

Zimpel plays several exquisite clarinet solos, which sound superbly evocative backed by layers of synthesized reverberations. His power of expression is stunningly articulated throughout and is one of the key foci of this music, but certainly not the only one. This music works so well since it is a sum of many different ingredients, some acoustic and other electronic, which magically complement each other, creating a result that is greater than the sum of these parts.

Ziołek sings the vocal parts like some of the Progressive Rock heroes of the 1970s, with a reverberating (almost) falsetto. These vocal parts and the synthesizer work in the background, as well as the overall feel of this music would have earned it a prominent place on the Prog scene, if this album was recorded fifty years earlier. Perhaps this is the true New Prog, not the dreadful Neo Prog that some people are trying to create?

This album is a very powerful musical experience, in every respect. It has taken me by surprise, which happens very rarely, and I am sure many other people will share this opinion as well. It is definitely one of the strongest musical statements of 2017, way beyond any genre classification or attempt to describe it. It is in fact so powerful and meaningful, that my puny attempt to convey the meaning of this music is somewhat pathetic.

Wednesday, April 18, 2018

Štěpánka Balcarová - Life And Happiness Of Julian Tuwim (2017)

Štěpánka Balcarová

Małgorzata Hutek - vocals
Štěpánka Balcarová - trumpet
Marcel Bárta - tenor & soprano saxophones, clarinets
Robert Fischmann - flute, alto flute, piccolo
Nikola Kołodziejczyk - piano
Jaromir Honzák  - bass
Grzegorz Masłowski - drums


Life And Happiness Of Julian Tuwim

ANIMAL MUSIC 065

By Adam Baruch

This is the debut album as a leader by Czech trumpeter / composer Štěpánka Balcarová, recorded with a septet comprising of Czech and Polish Jazz musicians: vocalist Małgorzata Hutek, saxophonist Marcel Bárta, flautist Robert Fischmann, pianist Nikola Kołodziejczyk, bassist Jaromir Honzák  and drummer Grzegorz Masłowski. As the title suggests, the album presents nine poems by Polish/Jewish poet Julian Tuwim, which were made into songs with original music composed by Balcarová.

The album is a typical Jazz & Poetry project, which apparently is a specialty of the Eastern European region (Poland especially), and which keeps the wondrous and much neglected elsewhere idiom alive and kicking. Of course tackling Tuwim's poems, who after all was the most important 20th Century Polish poet, is an extremely risky undertaking, especially in view of the fact that his poems were already made into songs countless times before by some of the best composers out there. Balcarová decided to compose music to Tuwim's early poetry, published (with one exception) between 1918 and 1923, which are more rarely used as sources of songs, and therefore she brings forward to the public eye a lesser known facet of his poetry.

I am happy to say that Balcarová managed to create a consistent song cycle, with her music being very appropriate to the poetic contents. The music is full of melancholy, perhaps even a bit too somber at times, since these poems are considered as optimistic and vital in comparison to Tuwim's later work, which was full of cynicism and resentment. Nevertheless the music, as already mentioned, is more than appropriate in this context and its melodic qualities, which incorporate strong Eastern European folkloristic motifs, is definitely impressive. The polyrhythmic compositions are the most successful and interesting musically, but they are a minority.

The instrumental work is also very solid from start to finish, with excellent solo parts by the players and supportive rhythm section. Kołodziejczyk is definitely the key player, who keeps the harmonic structures in place and accompanies the vocals amicably, adding some splendid solo parts on the fly. The vocals suffer from some problems: they are way too theatrical and loud; there is way too much vibrato and almost no reference between the actual lyrics (poems) and the way they are expressed. Hutek sings forcefully even in the most intimate moments, which at its extreme manifestations is pretty annoying. I'd rather have these texts whispered rather than sung the way they are. But to be fair these texts are extremely difficult and combined with the music, which also is often challenging, Hutek does the best she can to make it work and overall, with a bit of acquired taste, does fine.

But this album is all about the music, first and foremost, and as such it is a splendid piece of work, that deserves to be heard and enjoyed. Beautifully packaged and with a booklet that includes the original poems in Polish and Czech and English translations, this is a piece of Culture that true connoisseurs of the Jazz & Poetry idiom would absolutely love to have in their collections. Wholeheartedly recommended!

Monday, April 16, 2018

Leszek Kułakowski Quintet feat. Andy Middleton – Copy & Insert (2017)

Leszek Kułakowski Quintet feat. Andy Middleton

Leszek Kułakowski - piano
Andy Middleton - tenor & soprano saxophones
Jerzy Małek - trumpet, flugelhorn
Piotr Kułakowski - double bass
Tomasz Sowiński - drums

Copy & Insert


SOLITON 733

By Adam Baruch

This is a live album by veteran Polish Jazz pianist / composer / bandleader / educator Leszek Kułakowski recorded in a classic quintet setting with American (resident in Vienna) saxophonist Andy Middleton, trumpeter Jerzy Małek, bassist Piotr Kułakowski (Leszek's son) and drummer Tomasz Sowiński. Together they perform six original compositions, all by Leszek Kułakowski. The sound quality of the live recording is excellent.

The music is all within the boundaries of contemporary modern mainstream Jazz, with melody based compositions which serve as basis for the quintet to carry the tunes in orderly manner and present individual solos. Kułakowski is a superb composer and his elegant tunes sound as if they originate from a collection of standards, but in fact are his originals.

The performances are all spotless of course, as expected from these highly experienced and talented musicians. Middleton, who is also an educator, same as Kułakowski, has a wonderful tone and elegant flow, and his solos are a true delight. Małek is also a superb player and his phrasing is full of emotion and skill. Kułakowski is a very original pianist, who plays remarkably not only when soloing but also while accompanying his colleagues. Piotr Kułakowski is one of the best bassists on the crowded Polish Jazz scene and his pulsations are always right on the money. Sowiński is exactly the right drummer for this quintet, pushing the other players during the up-tempo numbers and gently paving the way during the ballads. In short a mainstream A-Team, which delivers nothing but the best.

This album slaughters a few "holy cows", namely: "European musicians can't swing", "Those who can't play teach" and other popular misconceptions. Any true Jazz lover listening to this album should be completely satisfied in every respect.

Side Note: Since a few years, every December, Leszek Kułakowski, Andy Middleton and me meet in Katowice to serve as jury members of the International Jazz Composition Competition, held at the local Jazz Academy (together with Jerzy Jarosik, the head of the Jazz Department of the Academy and our host, and fantastic trumpeter / educator Piotr Wojtasik). Over the years we not only forged a wonderful friendship between ourselves, discussed music and life for endless hours and of course managed to consume many a gallon of beer, vodka and eventually anything that is humanly drinkable. Who says Jazz is not a platform of friendship.

Saturday, April 14, 2018

Mateusz Gawęda Trio - Falstart (2018)

Mateusz Gawęda Trio

Mateusz Gawęda - piano
Alan Wykpisz - double bass
Grzegorz Pałka - drums

Falstart

AUDIO CAVE 004-2018




By Krzysztof Komorek

Jakiś czas szukałem klucza do odczytania tej płyty. Ot, choćby zastanawiając się nad rozwikłaniem sensu tytułu albumu. Bywa to czasem zgubne, bo można zupełnie rozminąć się z zamierzeniami twórcy, ale tym razem, ów tytułowy "Falstart" pasuje mi do nieustannych zaskoczeń, jakie funduje słuchaczowi trio. Do ustawicznego wypychania odbiorcy z komfortowej strefy wpisania muzyki w określone ramy. 

"Nie tak szybko! Falstart" zdaje się mówić Mateusz Gawęda moim odczuciom. Spodobało się? To… robimy woltę. Zmieniamy wszystko o sto osiemdziesiąt stopni. Z ballady przeskakujemy w ponure tony, a potem w elektronikę i zgrzytliwe, przesterowane dźwięki ("White Volvo"). Współczesną muzykę improwizowaną przełamiemy melodią, by bardzo szybko rozmyślić się i powrócić w pierwotne rejony ("Falstart"). Fortepianowy motyw, który zdaje się być zaledwie intrygującym wstępem, nie zostanie rozwinięty aż do końca czterominutowej kompozycji. Za to pianista stworzy z niego zarówno tło dla kapitalnej, dynamicznej solówki perkusji, a z drugiej strony spokojny, przepiękny solowy finał ("Old House" – zaczynający płytę, mój faworyt spośród całości). 

Gawęda nie okopuje się na bezpiecznych pozycjach i jednocześnie nie pozwala na to odbiorcy. Cały czas zmuszając do skupienia, uważnego słuchania, wyłapywania drobiazgów, szczegółów, niuansów. Muszę jednak przyznać, choć nie dotyczy to mnie, że takie rozwiązanie ma jedną wadę: mniej cierpliwych słuchaczy ustawiczne zmiany mogą dość szybko zniechęcić. 

Prawie godzina muzyki, siedem utworów, wszystkie to oryginalne kompozycje lidera tria. Druga płyta zespołu stanowi rozwinięcie formuły znanej z debiutanckiego albumu zespołu "Overnight Tales". Nie jest to jednak prosta kontynuacja. Inaczej bowiem zostały rozłożone akcenty, przeważa inna stylistyka. Więcej jest muzyki improwizowanej, śmielej idącej w kierunku awangardy. Wyraźnie zaznacza się odważne korzystanie z preparacji instrumentów czy elektroniki. 

Aktywności Mateusza Gawędy można obserwować z podziwem, śmiało stawiając go w czołówce najbardziej zapracowanych polskich muzyków. Jednocześnie jego nazwisko powoli staje się gwarantem, że prezentowany projekt będzie wydarzeniem co najmniej ciekawym, bez wątpliwości interesującym, pełnym emocji i wrażeń. Komplementy należą się także pozostałym dwóm członkom tria (Alan Wykpisz i Grzegorz Pałka zagrali także na debiutanckiej płycie zespołu). Na opisywanym tu albumie znakomicie uzupełnili Gawędę - zarówno jako klasyczna sekcja rytmiczna, jak i w charakterze solistów. Stała współpraca studyjna i koncertowa zaowocowała albumem, któremu miana falstartu przypisać nie sposób. 

Thursday, April 12, 2018

Marek Napiórkowski – WAW NYC (2017)

Marek Napiórkowski

Marek Napiórkowski - guitars
Manuel Valera - piano
Robert Kubiszyn - bass
Clarence Penn - drums
Chris Potter - tenor saxophone, bass clarinet (2)

WAW NYC



AGORA 9788326825897

By Adam Baruch

This is an album by Polish guitarist/composer Marek Napiórkowski, recorded (as the title suggests) with a Polish/American quartet, which also includes Cuban (resident in NY) pianist Manuel Valera, Polish bassist Robert Kubiszyn and American drummer Clarence Penn. American saxophonist Chris Potter guests on one track. The album presents seven original compositions, six by Napiórkowski and one by Kubiszyn.

The music presents a collection of beautifully melodic tunes, as appropriate for Napiórkowski's already well established composing career, which all suite ideally his virtuosic guitar performances. Floating between genres and changing moods, the music eventually could be best described as Fusion, but of course in case of Napiórkowski that is only fitting for lack of a better term, as his music is way richer and ambitious than the usual Fusion efforts. The tunes are full of twists and turns, tempo changes and complex harmonic structures, that produce an overall powerful and broad sound, which keeps the listener on his toes from start to finish.

All the musicians participating in this project are Masters of their trade and their playing here is professional and perfect in every respect. The focus is obviously on Napiórkowski, but this is definitely a group effort in every respect and the leader shares the responsibilities with his partners on an equal foot. Valera is a magnificent pianist, with an incredibly sensitive touch on the keyboard and a soulful lyricism, which are ideal for this music. Kubiszyn is a highly melodic bassist, very sensitive to the intricacies this music requires and always there where his support is needed. Penn is exquisitely dynamic, always there behind the players, but never obtrusive or overwhelming beyond the call of duty.

Overall this is a wonderful album which is a true pleasure to listen to, calling for repeated listening sessions in order to get the depth and complexity of these performances absorbed in full. Fusion fans the world over should be melting to the sound of this music playing in the background, not to mention guitar diehards, who are in for a treat. But beyond the guitar artistry and group performances, the music is what stays in the long term! Hats off Maestro!

Wednesday, April 11, 2018

Robert Szewczuga Trio – Moonrise (2018)

Robert Szewczuga Trio

Robert Szewczuga - bass
Michał Rorat - keyboards
Paweł Dobrowolski - drums

Moonrise

METAL MIND 0788




By Adam Baruch

This is the debut album as a leader by young Polish bassist Robert Szewczuga, recorded in a trio setting with keyboardist Michał Rorat and drummer Paweł Dobrowolski. Several guest musicians are featured on selected tracks. The album presents ten original compositions, presumably all by Szewczuga, although that is not mentioned on the album's artwork.

The music is all within the Fusion/Funk/Groove framework, based on solid melodies, which serve as vehicles for the lengthy improvisations, mostly by the leader. The relaxed atmosphere and beautiful sound quality add to the overall effect, creating an album that is a real pleasure to listen to from start to finish.

Szewczuga makes sure that his electric bass playing remains the focal point of this recording, playing with virtuosity and vigor that bring fond memories of Jaco Pastorius' work. Both Rorat and Dobrowolski stand shoulder to shoulder with the leader and support him exactly as appropriate within this environment, emphasizing the Funk and Groove elements. The track featuring Apostolis Anthimos on guitar is a classic Fusion tune and a great example of what can still be achieved in that idiom today. The track featuring the vocalist Ghostman is a wonderful reminder of his quality and a longing for more of his recorded work.

Overall this is an excellent album, which is fun to listen to and proudly represents the role of electric bass in contemporary music, which sadly is often overlooked. Szewczuga's exquisite sensitivity, which is well demonstrated by his work as a sideman, is even more prominent herein. For electric bassists and fans of the instrument this is an absolute must, an orgy of talent and virtuosity. Wholeheartedly recommended!

Monday, April 9, 2018

Maciej Obara Quartet - Unloved (2017)

Maciej Obara Quartet

Maciej Obara - alto saxophone
Dominik Wania - piano
Ole Morten Vågan - double bass
Gard Nilssen - drums

Unloved

ECM 2573



By Krzysztof Komorek

Przetoczyło się przez polskie media (nie tylko te branżowo związane z jazzem) mnóstwo publikacji dotyczących albumu "Unloved" kwartetu Macieja Obary. Wywiadów, zapowiedzi, recenzji. I choć płyta często wysoko lokowała się w rocznych podsumowaniach krajowego jazzu (także na polish-jazz.blogspot.com) to zdarzały się i – dogłębnie uzasadnione – głosy krytyki. Największe emocje już opadły, więc warto odnieść się trochę do tego, co pisano o "Unloved", zanim – tu zdradzę pointę recenzji – uzasadnię, dlaczego mnie płyta ta się podoba. 

Krytykowano sam album i otoczkę jego publikacji. Umniejszano znaczenie debiutu w ECM, kwestionując aktualną pozycję tej wytwórni w świecie jazzu. Zgodzę się, że ECM nie jest dziś może centrum twórczego fermentu w samym jazzie, ale wystarczy spojrzeć uważnie na katalog, by dostrzec, jak wiele świetnej muzyki cały czas jest tam wydawane. Zresztą głosy dziennikarzy za oceanem nadal uznają zarówno Manfreda Eichera, jak i jego firmę za najważniejszych producenta i wydawnictwo – patrz ankiety krytyków Downbeatu i Jazz Times podsumowujące rok 2017. A przecież amerykańska krytyka nieskora jest do wyróżnień "obcokrajowców". 

Zgoda, debiut w ECM nie gwarantuje światowego sukcesu, ale jaki jest sens umniejszania bytności zespołu Obary w katalogu ECM? Przecież choćby utorowanie przez "Unloved" drogi do rychłego wydania autorskiej płyty Dominika Wani we współpracy z wydawnictwem Eichera, to pierwszy z brzegu i nie jedyny pozytyw zaistnienia kwartetu Obary w ECM. Znalazłem też głosy pomstujące, że pisało się o "Unloved" nieproporcjonalnie dużo. Tak jakby było coś złego w tym, że polski jazz, prawdziwy jazz, zaistniał w miejscach nieskorych do najmniejszej choćby o nim wzmianki. Pozytywnym aspektem tej sytuacji było dla mnie także to, że pośrednio wymusiła ona wsłuchanie się uważnie w głos sprawcy całego "zamieszania". Przecież tak jak analizując literaturę zwracamy wielokrotnie uwagę na konteksty, tak i w muzyce poznanie tego, co działo się "wokół" płyty, choćby na etapie pracy nad nią, pozwala na pełniejszy, bardziej świadomy odbiór dzieła. 

Oczywiście była też stricte merytoryczna, rzeczowa krytyka, odnosząca się do warstwy artystycznej. Zwracano przede wszystkim uwagę na zmianę stylu grania kwartetu. Owszem, to płyta różniąca się od poprzednich albumów tego składu. Porównania są zresztą dość łatwe, bowiem większość materiału z "Unloved" można było posłuchać na wcześniejszych, koncertowych rejestracjach Obara International (najnowszy album zawiera tylko jeden utwór premierowy). To prawda, nie zawsze jest to ta sama muzyka. Ot, choćby nie ma tu trąbki Toma Arthursa z rejestracji występu w Mińsku Mazowieckim. I już tylko to diametralnie zmienia poszczególne kompozycje. Czy jednak Maciej Obara stracił pazur? Czy delikatniejszy, acz przejmujący głos, budzi mniej emocji niż donośny krzyk? 

Przyznaję, że na początku sam miałem wątpliwości, co do odbioru tej płyty. Pomógł mi mały eksperyment. Słuchałem na przemian, porównując utwór po utworze, "Unloved" i wcześniejsze, koncertowe nagrania. Zestawiając znaną chropowatość z teraźniejszą, gładką subtelnością. Obydwa konteksty zdały mi się piękne, każdy na swój własny sposób. Zresztą druga część ECM-owkiego debiutu Obary ze "Sleepwalker" i "Echoes", z genialną grą Dominika Wani, niemal nie odbiega od wcześniejszych dokonań kwartetu. Można notabene zauważyć, że – stylistycznie – właśnie Dominik Wania jest tutaj swoistym łącznikiem z przeszłością. Pierwsze cztery utwory – w tym tytułowy "Unloved" Komedy, jedyna kompozycja, która nie wyszła spod pióra lidera zespołu – są łagodne, nastrojowe, piękne. Zapytam przekornie: czy piękno może być złe? 

Koniec końców, krytyka sztuki ma jednak to do siebie, że wkraczamy na poziom dyskursu o gustach. Mogę zrozumieć, że "Unloved" zupełnie może się komuś nie podobać, ale nie umiem zaakceptować autorytarnej krytyki, mówiącej, że to bezwzględnie słaby album. Maciej Obara w jednej ze swych wypowiedzi poprzedzających premierę stwierdził, że płyta ta będzie albo kochana, albo znielubiona. Tak się też stało. "Unloved" nie pozostawia słuchacza obojętnym, nie jest nijakim nagraniem, które nie wzbudzi żadnych emocji. Ja pozostaję po stronie zauroczenia.

Saturday, April 7, 2018

Thomas Kolarczyk Ensemble - Halbträume (2018)

Thomas Kolarczyk Ensemble

Viktor Wolf - clarinet, bass clarinet
Otto Hirte - alto saxophone, flute, alto clarinet
Sławek Pezda - tenor saxophone
Thomas Kolarczyk - double bass
Kuba Gudz - drums



Halbträume

DOUBLE MOON 71194

By Maciej Nowotny

Kiedy przed laty dodawaliśmy na blogu kategorię przeznaczoną specjalnie dla debiutantów mieliśmy wątpliwości, czy w ogóle będą dla niej wartościowi kandydaci. Obawy te okazały się płonne. Kolejne lata przyniosły prawdziwe tsunami wartościowych debiutów na blogu, wśród których wymienić można nazwiska tej miary co Sebastian Zawadzki, Nikola Kołodziejczyk, Maciej Kądziela, Grzegorz Tarwid, Michał Ciesielski, Franciszek Pospieszalski, Kasia Pietrzko i wielu innych (pełną listę wyróżnionych przez nas debiutów możecie znaleźć pod tym linkiem). Dzisiaj chcemy odnotować kolejny dojrzały artystycznie debiut, tym razem kontrabasisty Thomasa Kolarczyka.

Urodzony w Niemczech, ale mający polskie korzenie, muzyk należy do kohorty tych naszych młodych artystów, dla których granice państwowe, polityczne, etniczne są podobnie jak te między muzycznymi gatunkami po to, by je przekraczać. Studiuje, pracuje i muzykuje w Berlinie, który w ostatnich latach stał się magnesem dla wielu polskich młodych niespokojnych duchów. Z tego, co przeczytałem w jednym z wywiadów, nie zamyka się wcale w jazzowej wieży z kości słoniowej, lecz aktywnie penetruje bogatą berlińską scenę muzyczną, grając nie tylko w formacjach jazzowych czy też improwizujących, ale też rockowych, folkowych czy nawet tych z pogranicza muzyki klasycznej.

Co najważniejsze, wszystkie te zasymilowane wpływy słychać w muzyce. Może nawet nie tyle w warstwie narracyjnej, bezpośrednio melodyjnej czy rytmicznej, lecz bardziej w złożoności kompozycji, w ich dojrzałym ujęciu, a także w jakości wykonania. Oczywiście sekcja rytmiczna jest bardzo silnym punktem tego zespołu, a tworzy ją współpracujący od wielu lat z Thomasem perkusista Kuba Gudz. Pamiętam ich z wydanej w 2012 roku płyty "Tone Raw", którą recenzował Adam Baruch, już wtedy przepowiadający tym muzykom dużą przyszłość.

Siłą rzeczy jednak o obliczu tego zespołu stanowią instrumenty dęte: Sławek Pezda na saksofonie tenorowym,  Otto Hirte na saksofonie altowym i Viktor Wolf na klarnecie. To wszystko świetni instrumentaliści potrafiący dobrze wpasować się w stworzoną przez lidera koncepcję. Szczególnie charyzmatyczny jest Wolf, który swoją osobowością odcisnął wyraźne piętno na tym albumie, chociaż niekiedy jego quasi klezmerskie wstawki mnie drażniły. 

Generalnie najbardziej na tym albumie podobały mi się kompozycje i te momenty, gdy muzycy czujnie się słuchając, to podążali za liniami wytyczonymi przez Kolarczyka, to odchodzili od nich improwizując. Złożoność tej muzyki, świeżość, nawiązania stylistyczne do legendarnego Art Ensemble Of Chicago (kompozycja "Berlin Is Full Of Lonely People") i ich licznych europejskich permutacji, szczególnie brotzmanowskich, skutecznie przykuwały moją uwagę. Brakowało mi może tak bliskich sercu nut słowiańskich: emocjonalności, entuzjazmu, melancholii posuniętej do szaleństwa i przekształcającej się w ekstazę. Tylko że to więcej mówi o piszącym te słowa niż o Thomasie, który nagrał obiecującą płytę i któremu bardzo życzę, by podążając tak wytyczoną ścieżką, w pełni zrealizował swój bez wątpienia duży potencjał.

Friday, April 6, 2018

Oleś Brothers & Christopher Dell - Górecki Ahead - premiera 06.04.2018


Christopher Dell - wibrafon
Marcin Oleś - kontrabas
Bartłomiej Oleś - perkusja

Już dzisiaj kolejna znakomita premiera płytowa w katalogu wytwórni Audio Cave. Bracia Oleś oraz Christopher Dell, kontynuując rozpoczętą w roku 2011 współpracę, sięgnęli po utwory jednego z najwybitniejszych dwudziestowiecznych kompozytorów - Henryka Mikołaja Góreckiego.

Album "Górecki Ahead" jest próbą odczytania spuścizny Mistrza w nowy sposób i ukazania jej w odmiennym niż dotychczas świetle. Płyta ta to jednocześnie dowód, jak żywotna i inspirująca jest współcześnie muzyka kompozytora, zwłaszcza jeśli jej interpretacji podejmują się artyści, u których biegłość instrumentalna idzie w parze z kreatywnością, wyobraźnią i potrzebą tworzenia autorskiej wypowiedzi artystycznej. "Górecki Ahead" nie jest kolejnym z wielu albumów wypełnionych muzyką klasyczną, przearanżowaną na jazzową modłę. Muzycy odpowiedzialni za projekt sięgnęli znacznie głębiej.

W swojej kontemplacji twórczości Góreckiego dotarli do żywego, bijącego serca tej muzyki, budując wokół niego nowy krwiobieg, będący czymś na kształt bytu równoległego wobec dzieł Mistrza. W interpretacji tria, niekiedy znacząco odmiennej od oryginału, w wyważony, inteligentny i pełen finezji sposób ujawnia się delikatna równowaga pomiędzy wiernością muzycznej idei kompozytora, a przynależną sztuce jazzowej swobodą wypowiedzi.

Słuchając zawartej na albumie muzyki łatwo możemy ulec wrażeniu, że obcujemy z dziełem muzycznym od zarania przeznaczonym dla kameralnego składu jazzowego. Płynnie przenikają się tu różne muzyczne światy, a granica między nimi ulega całkowitemu zatarciu. "Górecki Ahead" to album pionierski jeśli chodzi o sposób prezentacji i percepcji muzyki wybitnego artysty. Udowadniający jak gdyby mimochodem uniwersalizm jego twórczości i sztuczność międzygatunkowych granic.

Thursday, April 5, 2018

Antoni Gralak – Ganga (2017)

Antoni Gralak

Antoni Gralak - trumpet, bass, synth, keyboards, sampling
Raj Kumar Verma - sitar
Tayagi Mohanlhl - shanay
Babl - tabla
Zbigniew Brysiak - percussion

Ganga



AUDIO CAVE 011-2017

By Adam Baruch

This is an album by renowned Polish trumpeter / composer / bandleader Antoni Gralak, one of the most colorful and fascinating figures on the independent / avant garde / anti establishment Polish music scene, who participated in many musical projects like Tie Break, Free Cooperation, Young Power, Graal, Yeshe and others. Completely unpredictably, as always, this album finds Gralak, who plays trumpet, bass guitar and keyboards, in the company of three Indian musicians who play tabla, sitar and shehnai (Indian reed instrument) respectively and Polish percussionist Zbigniew Brysiak. The album presents eight original compositions, all by Gralak.

The music is heavily influenced by ethnic Indian musical motifs, incorporating Jazz improvisations, Drum & Bass, electronics and other elements, creating a fascinating amalgam of melodies and rhythms, which sounds exotic, vibrant and exciting. The folkloristic, innate to Indian music, improvisations intertwine with Gralak's Jazzy playing quite naturally and create a cross-cultural dialogue. Parts of this music bring forward a reminiscence of the Miles Davis sessions featuring Badal Roy, which also showed some Indian influence, albeit much more subtle than here.

Of course Indian music is never simplistic and its meditative nature requires attentive listening and submission, which is not easy to a Western ear, even when slightly dressed up in Western ornament. Some listeners might find this music somewhat monotonic in the long range, but hopefully the majority will be able to embrace it and enjoy it in full, as it surely deserves to reach as many listeners as possible.

Overall the album shows another facet of the multitude of Gralak's talents and musical worlds, which always was his personal signature. The restless search for new discoveries and diverse environments is the trademark of progress in Art in general and in music in particular, and Gralak deserves the title of the Great Wanderer probably more than most of his Polish contemporaries. If anybody can sit still while listening to this album, he is either in coma or dead already.

Wednesday, April 4, 2018

Łukasz Juźko Quartet – First Breath (2017)

Łukasz Juźko Quartet

Łukasz Juźko - tenor saxophone
Michał Wróblewski - piano
Bartosz Świątek - bass
Sebastian Kuchczyński - drums

First Breath

SJ 027



By Adam Baruch

This is the debut album by Polish saxophonist/composer Łukasz Juźko, recorded in a quartet setting with pianist Michał Wróblewski, bassist Bartosz Świątek and drummer Sebastian Kuchczyński. The album presents nine original compositions, presumably all by the leader, although the album's artwork does not state it. The album is beautifully recorded and the sound quality is truly remarkable.

The music is a highly melodic mainstream Jazz, easy on the ear, romantic and basically belonging to the Smooth Jazz idiom, which of course does not mean, contrary to popular opinion, that the music is not ambitious or well played, far from it. The compositions are all very well structured and coherent harmonically and serve as perfect vehicles for the improvisations created by Juźko and Wróblewski.

All four instrumentalist are excellent, playing as well as can be expected from these well educated and talented young musicians, who already have remarkable achievements behind them. Juźko has a nice tone, and his tenor saxophone performances sound highly professional and inspired. Wróblewski is a superb pianist and his chord structures and solos are simply perfectly suited for this music. The rhythm session also performs brilliantly, with a strong rhythmic signature, which gives the music quite a kick. Overall this is an impressive debut album, which presents Juźko as a mature composer and player, and which shows a lot of potential for his future endeavors. Highly recommended to connoisseurs of melodic Jazz and ageless romantics!

Tuesday, April 3, 2018

Warsaw Improvisers Orchestra - CSW 14.03.2015 (2016)

Warsaw Improvisers Orchestra

Ray Dickaty - conductor
Patryk Zakrocki - violin, viola, conductor
Olgierd Dokalski - trumpet
Marcin A. Steczkowski - cornet
Jan Małkowski - alto saxophone
Maciej Rodakowski - tenor saxophone
Mateusz Franczak - tenor saxophone
Piotr Mełech - Bb & bass clarinet
Zbigniew Chojnacki - accordion
Jacek Mazurkiewicz - bass
Ksawery Wójciński - bass
Michał Kasperek - drums
Dominik Mokrzewski - drums
and others

CSW 14.03.2015

FSR 2017/10

By Piotr Wojdat

Mimo, że twórcą i główną siłą napędową Warsaw Improvisers Orchestra jest saksofonista Ray Dickaty, to nie z jego powodu pojawia się w tym miejscu recenzja albumu tego imponującego liczebnie stołecznego kolektywu. "CSW 14.03.2015" to ważna płyta z co najmniej dwóch powodów: grają na niej czołowi jazzowi improwizatorzy, eksperymentatorzy i artyści, którzy w taki czy inny sposób związani są z warszawska sceną i nierzadko spotykali się ze sobą na różnego rodzaju impro mitingach i quasi rezydencji w klubie Chmury. Z tego poniekąd wynika drugi powód pozwalający myśleć o tej płycie jako o istotnej dla słuchacza - ten album jest jak lokalny dokument muzyczny. Szczęśliwie przedstawia on scenę warszawską w korzystnym świetle, ale też pokazuje, czym żył jazzowy underground w ostatnich latach.

Ideą Warsaw Improvisers Orchestra jest granie muzyki możliwie spontanicznej. Takiej, która wypływa z serca, a nie z głowy. Dopuszczane są co prawda odpowiednie wzajemne nakierowania, podpowiedzi, ale pomysłem Raya Dickaty’ego było wydobycie w tym przypadku z 29-osobowego zespołu jak najwięcej jakości muzycznej. Swobodna improwizacja w ramach orkiestry to nie jest rzecz jasna temat nowy, ale uchwycić taki moment, jakim był koncert kolektywu w warszawskim Centrum Sztuki Współczesnej z 2015 roku, czyli w dwa lata po powstaniu Warsaw Improvisers Orchestra, to pomysł, który przyniósł dobre rezultaty.

Na zawartość tego albumu składają się trzy kompozycje i każda nawiązuje tytułem do poprzedniej, razem tworząc zdanie "This That and the Other…". Mamy zatem do czynienia z utworami, które mogą funkcjonować jako odrębne kompozycje, ale przede wszystkim tworzą jedną całość. Są rezultatem konceptu Dickaty’ego na muzykę spontaniczną. Jazz jest jednym z jej składników. Wokalizy, elektronika, nawiązania do muzyki współczesnej to również istotne elementy stanowiące o jej wartości.

Monday, April 2, 2018

Adam Makowicz – Swinging Ivories (2018)

Adam Makowicz

Adam Makowicz - piano

Swinging Ivories

POLSKIE RADIO 2169






By Adam Baruch

This is an album presenting a solo piano recital by Polish (resident in Canada) Jazz pianist / composer Adam Makowicz, recorded live by the Polish Radio during his visit in Poland. The album includes sixteen relatively short pieces, nine of which are original compositions by Makowicz and seven are his interpretations of Jazz standards.

After being a part of the Polish Jazz core in its formative years, Makowicz left Poland in the late 1970s, first for the US and later moved to Canada. He is the only Jazz musician of Polish origin, who managed to achieve relative success and a respectful position in America, most probably due to the fact that stylistically his playing is as "American" as they come, based on the great legacy of the classic Jazz piano Masters, which he masterly reproduces.

The music is all wonderfully melodic and well within the mainstream idiom, easy on the ear and smooth as a baby's behind, overflowing with arpeggios and strong left hand rhythmic stride, in short exactly what the fans of such music love to hear. The original compositions by Makowicz sound exactly as if they belong to the standards in the Real Book. There is no innovation or experimentation, but everything is played with taste and perfection as expected. Overall this is a classic solo piano album, excellently performed and well recorded which should bring joy to mainstream Jazz lovers and melodic solo piano recordings enthusiasts.

Friday, March 30, 2018

Janczarski & McCraven Quintet - Liberator (2018)

Janczarski & McCraven Quintet 

Borys Janczarski - tenor saxophone
Rasul Siddik - trumpet, flutes, percussion, vocals
Joanna Gajda - piano
Adam Kowalewski - double bass
Stephen McCraven - drums



Liberator

FOR TUNE 0132

By Maciej Nowotny

"Liberator" to druga płyta, po wydanym w 2015 "Travelling East West", nagrana przez kwartet Janczarskiego dla For Tune. Wcześniej nazwisko Janczarskiego kojarzyło mi się raczej z odgrzewaniem starych jazzowych kotletów, jednak kiedy rzuciłem okiem na skład jaki zebrał, zdębiałem! Wyjaśnienie dlaczego znajdziecie w opisie w/w płyty. W konkluzji tego tekstu kończę zdaniem, że mam ochotę dać Janczarskiemu kolejną szansę.

Brzmi trochę protekcjonalnie, ale już wyjaśniam, z jakiego powodu tak stawiam sprawę. Czy wiecie na przykład, że w Polsce działa w tej chwili w przybliżeniu 17 (sic!) wydziałów, na których naucza się jazzu? Problem tylko w tym, że uważam, że jazzu nauczyć się nie da. Można nauczyć grać jazz, ale jazzu już nie, bo jazz zaczyna się wtedy (przynajmniej dla mnie), gdy muzyk zaczyna mówić od siebie i najlepiej na swój własny, niepowtarzalny sposób. Odgrywanie po raz enty Body&Soul na modłę Coltrane'a nie ma dla mnie jazzowego sensu, sorry... oryginał zawsze będzie lepszy!

Każdy zatem muzyk jazzowy staje przed wyzwaniem jak coś powiedzieć od siebie, wyróżnić się, zaproponować coś nowego. Przez taki pryzmat patrzę właśnie na płyty nagrane przez Janczarskiego dla For Tune. Udało mu się wyróżnić przez to, że zaprosił do współpracy bardzo ciekawy zestaw współpracowników. Ponadto udało mu się nieco zaskoczyć przez to, że osadził muzykę na tych płytach w tradycji afroamerykańskiego jazzu (co jak niektórzy słusznie wskażą jest tautologią) o chicagowskiej proweniencji. Bo jest ona ciągle artystycznie aktualizowana i piękne już wydała owoce w tym kraju (szukajcie na przykład krążków Damasiewicza w katalogu tejże For Tune).

Ale z drugiej strony pierwszy album w sensie stricte muzycznym nie zachwycił mnie. Uderzał brak zgrania muzyków, stylistycznie było trochę od sasa do lasa, ciekawe kompozycje szczególnie Gajdy słabo rezonowały z resztą materiału. Saksofon lidera brzmiał momentami sztampowo, chwilami w sposób zabawny przypominając styl Pharoaha Sandersa. W rezultacie pozostałem sceptyczny. 

Co zatem przyniosła druga płyta? Otóż mogę śmiało i z satysfakcją stwierdzić, że przyniosła korektę tych wymienionych, jak i innych niedoskonałości. Zgranie muzyków jest o niebo lepsze. Płyta stylistycznie zyskała na jednorodności, co dodało jej energii i charyzmy w oddziaływaniu. Być może pomogło to, że muzyka jest zapisem koncertu granego na żywo. To bardzo sprzyja szczególnie temu rodzajowi jazzu, nawiązującemu do tradycji AACM. Wreszcie podoba mi się ewolucja Janczarskiego. Przestał "szpanować" grając pod Sandersa, stara się mówić swoim własnym językiem, sprawdza się jako lider. 

Podsumowując, dostaliśmy tym razem kawał porządnej muzy, z czystym sercem do polecenia każdemu. Ilość "perełek" do odkrycia jest niemała: nietuzinkowi goście ze Stanów, mało znana, a warta odkrycia pianistka, doskonały bas i saks Janczarskiego, po którym zaczynam powoli spodziewać się kolejnych dobrych rzeczy.

Janczarski & McCraven Quintet – Travelling East West (2015)

Janczarski & McCraven Quintet

Borys Janczarski - tenor saxophone
Rasul Siddik - trumpet, flutes, percussion
Joanna Gajda - piano
Adam Kowalewski - double bass
Stephen McCraven - drums



Travelling East West

FOR TUNE 0081

By Maciej Nowotny

Wydana już dobrych kilka lat temu, bo w 2015 roku przez renomowaną polską wytwórnię ForTune, płyta "Travelling East West" jest okazją do ćwiczenia moich już trochę zapomnianych (kilka lat przerwy w pisaniu) jazzowych umiejętności. Co bowiem robi miłośnik tej muzyki, gdy do jego łapek trafia nowy krążek? Przede wszystkim analizuje skład...

O Borysie Janczarskim zrobiło się głośno (przynajmniej w Warszawie) akurat wtedy, gdy o mnie zrobiło się cicho. Dlatego może się zdarzyć, że czytający te słowa będzie wiedzieć na temat tego muzyka więcej niż je piszący. Syn wspaniałej aktorki Barbary Wrzesińskiej, ukończył prawo na Sorbonie i dołączył do grona tych jakże licznych w polskim jazzie dyletantów (od laryngologa Komedy począwszy, a na kolejnym prawniku Macieju Fortunie skończywszy), którym ta muzyka tyle zawdzięcza. Najważniejsze, że podobno muzyk ten ma talent, dobre brzmienie i entuzjazm, bez którego, jak pisał Ralph Waldo Emmerson, "nic wielkiego narodzić się nie może"...

Prawdziwe zaskoczenie jednak przychodzi przy nazwiskach trębacza i flecisty Rasula Siddika i perkusisty Stephena McCravena! Możecie zapytać z jakiego powodu? Otóż należą one do muzyków związanych z AACM, czyli Association for the Advancement of Creative Musicians, a ten drugi był przez kilkadziesiąt lat stałym współpracownikiem samego Archie'ego Sheppa. Dla wyjaśnienia: AACM to założona w Chicago przez czarnych muzyków amerykańskich w połowie lat 60-tych i ciągle działająca organizacja odpowiedzialna za stworzenie jednej z najciekawszych estetyk we współczesnym jazzie i w dużej mierze powodująca, że jazz pozostaje aktualny jako fenomen artystyczny. Ma też znaczenie i to niemałe dla polskiej odmiany tej muzyki, by wspomnieć tylko wkład Lestera Bowie w rozkwit legendarnej w latach 90-tych Miłości (w której karierę zaczynał Leszek Możdzer) czy niezwykłe zjawisko, jakim był odbywający się w Poznaniu festiwal Made In Chicago.

Ale to jeszcze nie wszystko, bo zespół muzyków uzupełniają wybitny polski kontrabasista Adam Kowalewski i, last but not least, pianistka Joanna Gajda. Gajdę obserwuję od czasu jej debiutu "Heaven Earth" i bardzo cenię zwłaszcza jej kompozycje, które są także jedną z silniejszych stron tego albumu. 

A jaka jest muzyka na tej płycie? Poniżej próbka, która pozwoli usłyszeć choć parę dźwięków. W telegraficznym skrócie można powiedzieć, że Janczarski gra nieco w stylu Pharoaha Sandersa, muzycy amerykańscy trochę jakby szukali dobrej komunikacji z naszymi, bas Kowalewskiego grzeje wręcz niesamowicie, kompozycje Gajdy się wyróżniają, a całość... więcej pozostawia znaków zapytania niż daje odpowiedzi. Jednak pomimo to jest w tej muzyce coś, co zaciekawia i dobrze wróży na przyszłość. Już pisząc ten tekst dowiedziałem się, że niebawem ma się ukazać w tej wytwórni kolejny drugi album tej formacji. I wiecie co, mam ochotę dać mu szansę.

Wednesday, March 28, 2018

Apostolis Anthimos – Parallel Worlds (2018)

Apostolis Anthimos

Piotr Matusik - keyboards
Olaf Węgier - saxophone
Robert Szewczuga - bass
Apostolis Anthimos - drums, guitar

Parallel Worlds

METAL MIND 0786


By Adam Baruch

This is the fifth album by Polish (of Greek origins) guitarist / drummer / composer Apostolis Anthimos, mostly familiar as the lead guitarist of the legendary Polish power trio SBB, but also active in other music fields, as this album's title perhaps suggests. On this album Anthimos plays guitar and drums and is accompanied by bassist Robert Szewczuga, keyboardist Piotr Matusik and saxophonist Olaf Węgier. A couple of vocalists appear as guests on one track each. The album presents fourteen original compositions, presumably all by Anthimos, since nothing is explicitly stated on the album's artwork.

The music is quite different from what Anthimos is usually associated with, presenting mostly melodic Jazz, some Fusion and World Music, all very delicate and subdued. The focus of this album is fully directed on Anthimos the composer, especially in view of the fact that his guitar playing here is limited, and he plays drums on all tracks instead. The guitar is prominently featured mostly on the title track and sparingly on a few other tracks, which again points out, that the concept was to show a different facet of Anthimos' Music. His fully blossomed composing skills result in a superb collection of wonderful melodies, all of which are skillfully weaved and harmonically coherent.

The performances are all excellent and with the absence of Anthimos' guitar, the soloing is mostly the responsibility of Matusik and Węgier, both of whom show exceptional skills and taste. Szewczuga lays exquisite layers of bass statements, which round up the sound of the quartet and Anthimos drives the rhythmic pulsations flawlessly.

Overall this is a wonderful melodic, mostly Jazz album, with excellent compositions and outstanding performances, which should keep every Jazz connoisseur extremely happy. People used to Anthimos' Rock and Fusion explorations might be surprised to hear this album but if they have any taste and music understanding they should accept this simply as another facet of their idol's musical personality! Lakis ευχαριστώ for this great music!

Monday, March 26, 2018

Anna Gadt Quartet feat. Annemie Osborne – Mysterium Lunae (2018)

Anna Gadt Quartet feat. Annemie Osborne

Anna Gadt - voice
Lukasz Ojdana - piano
Maciej Garbowski - double bass
Krzysztof Gradziuk - drums
Annemie Osborne - cello

Mysterium Lunae



HEVHETIA 0170

By Adam Baruch

This is the fifth album by Polish vocalist/composer Anna Gadt and her second cooperation with the fabulous Polish piano trio RGG, which comprises of pianist Lukasz Ojdana, bassist Maciej Garbowski and drummer Krzysztof Gradziuk. Cellist Annemie Osborne from Luxembourg is the guest artist. The album presents seventeen pieces some of which incorporate four poems written by the Polish/Jewish poet Bolesław Leśmian, but most feature only wordless vocalese. Nine of the pieces were composed by Gadt, one each by Ojdana and Garbowski and the remaining six are improvisations. The album was recorded at the excellent Studio Tokarnia and engineered by Jan Smoczyński, with the usual superb sound quality.

From the very onset of the album it is obvious that this is her most ambitious effort so far, mostly improvised and full of complex melodic themes, which last sometimes only for a brief moment before being transformed into another improvised passage. With wordless vocalese dominating the proceedings, this is perhaps the boldest step in Polish vocal Jazz since decades, bridging the void stretching over forty years into the past, when Urszula Dudziak created her revolutionary vocal experiments in the early 1970s.

Gadt is exceedingly fortunate to develop the collaboration with RGG, who are one of the most open minded and technically proficient Polish ensembles able to match her vision, which as a result goes way beyond accompaniment and becomes a fully integrated musical creation. The piano trio also moves consistently over time towards more open formats and Improvised Music, and proves to be a most amicable companion to Gadt, which is fully demonstrated herein.

It is also very satisfying to see Gadt embarking upon the ambitious and highly aesthetic Jazz & Poetry idiom, especially in view of the fact that a century old poems are able to become a part of today's avant garde, alive and kicking, timeless and penetrating. Words and sounds combined are able to build highly complex and intricate intellectual structures, which can be, when properly executed like in this case, more potent than simply the sum of their ingredients.

Overall this is a brilliant piece of contemporary music, fascinating, exciting and challenging, which is a sublime proof of the fact that music knows no limits and there is always a way to step beyond the horizon. My sincere thanks to the musicians involved, not only for the intellectual pleasure their music bestows upon the listener, but primarily for keeping the ray of hope alight in a word full of mediocre darkness. Hats off Milady and Gents!

Saturday, March 24, 2018

Confusion Project - Primal (2018)

Confusion Project

Michał Ciesielski - piano
Piotr Gierszewski - bass
Adam Golicki - drums

Primal

SOLITON 2018




By Jędrzej Janicki

Płyty koncepcyjne dla muzyki jazzowej nie odegrały aż tak znaczącej roli jak chociażby dla rocka progresywnego. Nieliczne próby tego typu są traktowane raczej jako ciekawostki, niż wyznaczniki nowego trendu. Tym większe słowo uznania należą się trio Confusion Project. Ich nowy album to dzieło, w którym warstwa narracyjna odgrywa co najmniej tak samo ważną rolę, jak muzyka. 

"Primal", bo o tak zatytułowanej płycie mowa, to trzeci krążek w dyskografii Confusion Project. Ich muzyka od zawsze nosiła w sobie ilustracyjny rys, który tutaj gra zdecydowanie pierwsze skrzypce. Choć bez użycia słów, panom udaje się opowiedzieć piękną historię o zagubionym człowieku, który poprzez kontemplację natury i pogrążenie w refleksji, odnajduje własne miejsce na ziemi. Owo poszukiwanie siebie jest przerywane wewnętrznymi monologami głównego bohatera. Symbolizują je trzy miniaturki zatytułowane "Monologue", będące w głównej mierze solowymi partiami poszczególnych instrumentalistów (w kolejności - pianisty Michała Ciesielskiego, perkusisty Adama Golickiego i basisty Piotra Gierszewskiego). 

Oprócz niespotykanej struktury i sposobu narracji, "Primal" wypada również znakomicie pod względem muzycznym. Otwierające płytę "The Old Oak" zaskakuje swoją stonowaną atmosferą i nienachalną śpiewnością. W utworze "Into The Forest" zagrywki Ciesielskiego przypominają trochę te tworzone przez Dave’a Brubecka. Najciekawszą i zarazem najbardziej nieoczywistą kompozycją na całej płycie jest jednak utwór "Lost". Cały zespół bardzo sprawnie balansuje między delikatnymi a agresywniejszymi fragmentami. Na szczególną uwagę zasługuje rewelacyjna praca sekcji rytmicznej. Brzmienie gitary basowej nadaje całemu utworowi trochę szorstkości i brudu, a gęsta perkusja tworzy świetne tło dla fortepianowych dźwięków. 

"Primal" to znakomita, głęboko przemyślana płyta. Confusion Project udało się uniknąć częstej pułapki, w którą wpadają albumy koncepcyjne. Muzyka podporządkowana prowadzonej fabule bardzo często wiele traci, staje się schematyczna. Na "Primal" udało się jednak zachować równowagę między konceptem a warstwą muzyczną. To album nie tylko skłaniający do refleksji nad ścieżkami ludzkiego życia, lecz również kawał świetnego jazzu z przemyślanymi kompozycjami wykonanymi przez naprawdę bardzo dobrych instrumentalistów. 

Friday, March 23, 2018

Rito - Rito (2017)

Rito

Piotr Pawlak – guitar, electronics
Kuba Staruszkiewicz – drums, percussion
Michał Gos – drums, percussion
Jacek Stromski – drums, percussion, tabla, udu

Rito



NASIONO 92/2017

By Piotr Wojdat

Zanim zacznę rozbierać na czynniki pierwsze kolejną płytę na łamach serwisu Polish Jazz, powinienem podkreślić, że za naturalny punkt odniesienia dla zeszłorocznego wydawnictwa zespołu Rito należy uznać album tria Gostrosta sprzed sześciu lat. Stworzyło go trzech perkusistów związanych z alternatywną sceną trójmiejską: Kuba Staruszkiewicz, Michał Gos oraz Jacek Stromski, których nazwiska z pewnością znane są słuchaczom Pink Freud, Mazzoll & Arythmic Perfection, Apteki czy Kur. Muzyka zawarta na "Bum!" w całości opierała się na zestawach perkusyjnych, kalimbie, udu oraz przedmiotach użytku codziennego. Żadne inne instrumenty nie zostały dopuszczone do głosu - co już samo w sobie było oryginalnym pomysłem. Jak się jednak okazało, zawartość płyty nie sprowadziła się tylko i wyłącznie do ciekawego zamysłu twórczego, a imponujące było też wykonanie.

Rito to projekt muzyczny tych samych trzech perkusistów. Dołącza do nich jednak jeszcze Piotr Pawlak, który z gitary elektrycznej potrafi zrobić naprawdę dobry użytek i kiedy trzeba wspomaga się elektroniką. Jego wkład w zawartość albumu jest znaczący. Dzięki tym staraniom nie mamy już tylko do czynienia z muzyką transową, rytmiczną i surową w swojej wymowie. Gitara oraz elektronika poszerzają pole artystycznego rażenia, co skutkuje tym, że słuchacz przenoszony jest w różne wymiary muzycznej psychodelii. Czasami ma ona charakter post-rockowy, kiedy indziej znowu przytłacza intensywnością na miarę dokonań twórców noise’u, by w momentach wyciszenia kierować się w stronę ambientu. Instrumenty perkusyjne wprowadzają z kolei w rytualny trans - i nie tylko dlatego, że nazwa zespołu Rito w języku esperanto oznacza rytuał. Staruszkiewicz, Gos oraz Stromski nie tylko grają na zestawach perkusyjnych, ale posiłkują się też tablą, udu oraz analogowym syntezatorem Tempest.

Muzyka zawarta na "Rito" pochodzi z koncertu, który odbył się w 2015 roku w Teatrze Wybrzeże w Sopocie. Trzeba przyznać, że dzieło imponuje rozmachem artystycznym oraz nieoczywistą wymową i przestrzenią dźwiękowa. Nie bez powodu zostało też wydane akurat przez wytwórnię Nasiono Records, która specjalizuje się w promowaniu muzyki psychodelicznej i eksperymentalnej z Trójmiasta. Jestem przekonany, że “Rito” jest jednym z lepszych przykładów na to, jak sztuka potrafi działać na wyobraźnię i jak silne emocje może wywoływać. I choć z jazzem nie ma nic wspólnego, poza składem personalnym, to zapewne przypadnie też do gustu słuchaczom Innercity Ensemble, Starej Rzeki, Columbus Duo czy Kristen.

Wednesday, March 21, 2018

Mateusz Gawęda Trio - Falstart - premiera 23.03.2018

Mateusz Gawęda Trio

Mateusz Gawęda - piano
Alan Wykpisz - double bass
Grzegorz Pałka - drums

Falstart






By Tomasz Łuczak

Premiera kolejnej płyty tria znakomitego pianisty 23 marca w Legionowie. Trio Mateusza Gawędy w 2016 roku nagrało debiutancki album "Overnight Tales", który był i jest bardzo entuzjastycznie odbierany przez publiczność i krytyków (m.in. nominacja do nagrody Fryderyki 2017 w kategorii Muzyka Jazzowa – Fonograficzny Debiut Roku). Album został wydany zarówno na płycie CD, jak i na winylu. 

Można założyć, że w formule klasycznego tria fortepianowego powiedziano już właściwie wszystko. Przywoływane od zawsze w tym kontekście kanoniczne formacje Oscara Petersona, Billa Evansa czy Keitha Jarretta, są symbolicznym punktem wyjścia dla większości pianistów. To podstawa, fundament pod budowę autonomicznej wypowiedzi artystycznej. W kształtowaniu własnego stylu w nowych czasach warto poszukać świeżego znaczenia, a tutaj kluczem wydaje się być globalna synteza inspiracji. 

Mateusz Gawęda, hołdując tej zasadzie, zdaje się sukcesywnie zmierzać w stronę pianistyki totalnej, rozwijając tym samym koncepcję progresywnego tria fortepianowego, gdzie swoje miejsce mają uznane składy tak znakomitych pianistów, jak Marilyn Crispell, Vijay Iyer czy Matthew Shipp. Gawęda, idealnie odnajdując się w tej wizji pełnej matematyki, świetnie prowadzi swój zespół – czasem bardzo przestrzennie, precyzyjnie, niejednoznacznie, czasem blisko idiomowi jazzowemu. To cała prawda o muzyce tria - wymagająca, inteligentna, pulsująca wielością znaczeń i rozwiązań, na wskroś emocjonalna, bardzo złożona i intelektualna. Podobno tak właśnie funkcjonują wielkie muzyczne osobowości.


Mateusz Gawęda – pomimo młodego wieku to jeden z najbardziej kreatywnych twórców na polskiej scenie jazzowej. Urodzony w 1990 roku pianista, kompozytor i aranżer, absolwent krakowskiej Akademii Muzycznej w klasie fortepianu dr. Joachima Mencla. Wielokrotnie nagradzany i wyróżniany podczas tak prestiżowych imprez jak: festiwal Jazz Nad Odrą, Krokus Jazz Festiwal czy festiwal Jazz Juniors. Współtworzy zespoły Cracow Jazz Collective, PeGaPoFo, Pezda/Gawęda Duo, DRAG, Silberman Trio/Quintet/Sextet. Na koncie ma kilka znakomitych albumów i współpracę z tak znaczącymi postaciami jazzu jak: Billy Hart, Rusty Jones, Walter Smith III, Ralph Alessi, Kazimierz Jonkisz, Janusz Muniak, Jacek Kochan, Leszek Żądło i wielu innych.

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...